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19世紀後鋼琴音樂之發展概述


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世紀後鋼琴音樂之發展概述


                                       
撰文者: 貓頭鷹先生

 

第一章 浪漫時期的鋼琴演奏技巧和音樂風格

       第一節 前期

        第二節 中期

        第三節 後期

 

第二章 20世紀初至1945年之前的現代鋼琴音樂

       第一節 從調性到非調性

        第二節 根植於非主流傳統的創新

        第三節 美國的新音樂

 

第三章 1945年之後的鋼琴音樂發展

       第一節 西歐音樂的變革

        第二節 東歐音樂的獨特風貌

        第三節 美洲作曲家的另類思考

 

 

  

 

        

    鋼琴可以說是大家最熟知的樂器,也是絕大多數學音樂的人都必定會接觸到的樂器了。而作曲家在創作樂曲時,不論是否為鋼琴曲,都多半會先將腦中所想到,或已譜寫下來的音樂,先以鋼琴彈出來,好輔助他們瞭解和聲和總體的音響效果。這是由於鋼琴的音域較大部分其他樂器來得廣,可以彈出個不同音域的聲響,又較其他鍵盤樂器更容易奏出多層次的強弱差異,因此在18世紀初(約1709年)被發明後,漸漸取代其他鍵盤樂器,成為最普遍的鍵盤樂器了。到了19世紀,由於作曲家的創作需要,以及樂器製造商的不斷改良,使得鋼琴的表現力越來越豐富,各種演奏技巧不斷被開發,作曲家們也就更能凸顯個人

獨特的音樂風格了。

    20世紀是一個全新的時代,大環境的劇烈變動,促使人們重新思考和反省過去的許多價值觀,因而形成各種新的文藝思潮。在音樂方面,作曲家們漸漸將調性的概念拋棄或轉化,以致最後的全面瓦解與新體系的建構。除此之外,鋼琴的功用與角色也有了些改變,例如其常被當成打擊樂器來使用,有些美國作曲家,甚至開始進行鋼琴內部的實驗,創造出令人完全陌生的音色及聲響。二次大戰後,是另一個新時代的開始,從純系列音樂到各式各樣陌生化的手法,

作曲家們無不盡其所能的表現鋼琴這件樂器的各種可能性!

    筆者將在這篇報告當中,對於浪漫時期至現代的鋼琴演奏技巧,以及音樂風格之演變,做一個極為粗淺,但盡可能力求完整的介紹。希望大家對於這件再熟悉不過的樂器有更多、更深入的瞭解後,會對它產生不同於以往的新觀感!

第一章 浪漫時期的鋼琴演奏技巧和音樂風格

第一節

    在前言中,筆者提到十九世紀後,由於作曲家的需要,以及樂器製造商的

不斷改良,使得鋼琴更具表現力。由於浪漫樂派之音樂風格不同於古典樂派,多數作曲家偏好使用聲音較厚實、能夠表現較多層次之力度變化、音域較廣的英國式鋼琴<<Broadwood>>,而較適合演奏輕快音群的維也納式鋼琴,便慢慢被淘汰了,如貝多芬(Ludwig van Beethoven)便是一位<<Broadwood>>鋼琴的愛

好者。

    貝多芬雖然是古典樂派的作曲家,但他也是開啟浪漫樂風的先驅者。在他晚期的幾首鋼琴奏鳴曲當中,對於鋼琴的演奏技巧,以及音樂的形式與風格,都有不同於前人的改變。以鋼琴奏鳴曲(Piano Sonata Op. 106),也就是他所創作的32首鋼琴奏鳴曲中之第29首(此曲也稱<<HammerKlavier>>)來說,便是使用Broadwood1810年左右所致,擁有六個八度音域的鋼琴來創作的。貝多芬使用了許多聲響厚重的和弦,又經常在偏高或偏低的極端音域演奏旋律,我們便可以察覺其試著製造出如管弦樂團般龐大氣勢和豐富對比的意圖。

 

 

 

 

在形式上,第一樂章雖為奏鳴曲式,然而第一主題在降b大調上,第二主題卻轉到了g大調,這種調性的對比,對古典時期的作品而言,是很不傳統的。這樣將第二主題轉至遠係調的作法,在他的第21首鋼琴奏鳴曲(Piano Sonata Op. 53)也就是著名的<<華德斯坦>> (Waldstein)這首奏鳴曲當中,就已經可以見到了。另外,<<Hammerklavier>>這首奏鳴曲之第四樂章,開頭為一個導奏(Introduction),而後進入一個賦格(Fuga or Fugue),這也是前人未曾寫過的終曲樂章形式。另外在其他幾首晚期奏鳴曲當中,常出現兩個或更多聲部同時彈奏trill的音型,其中第32首奏鳴曲的第二樂章,(是以變奏曲形式寫成),甚至出現128分音符以及許多複雜的切分節奏,這對當時的鋼琴而言,都是相當大膽的嘗試和挑戰。

    貝多芬之後,作曲家如舒伯特(Franz Peter Schubert)韋伯(Carl Maria von Weber)孟德爾頌(Jacob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy)以及舒曼(Robert Schumann)等人,均寫作了許多鋼琴作品,這些樂曲的風格與內涵,正式宣告了浪漫時期的來臨。舒伯特常將一個優美的旋律建構在一些流動的分解和弦上,製造出一種朦朧的聽覺感受,而韋伯孟德爾頌則時常使用一串串非常華麗、快速音群,讓音樂的色彩更家絢麗。這些作法,都可說是當時鋼琴技巧的突破與開發。舒曼的手雖因練琴方式不當而受傷,仍很喜愛鋼琴,在其創作當中,大部分是鋼琴作品,這些樂曲雖沒有很困難的炫技手法,但其音樂語法之細膩、深邃,節奏之交錯複雜,都足以讓人認識到他創作技巧的圓熟,與音樂作品的藝術價值!

 

第二節

    浪漫中期為鋼琴演奏技巧發展的高峰期,此時由於踏板裝置系統的完善,以及雙卡子擊弦機(double escapement)的發明(於1821年發明,1840年開始成為鋼琴的基本必備裝置。),使鋼琴的表現力更加豐富。踏板一般而言有三個,右踏板為延音踏板,是用以將所有音符延長,增強泛音和共鳴,使聲響更飽滿、澎湃,中踏板為部分延長之用,也就是將一部份特定的音符加以延長,20世紀後的作曲家,較善於使用此踏板的功能,左踏板則為弱音踏板,是用以減低聲音的強度和亮度,製造更多層次的音響色彩。雙卡子擊弦機則使鋼琴可以連續快速彈奏相同音符,演奏技巧因而能蓬勃發展。此時期最重要的鋼琴作曲家,便是蕭邦(Frederic Francois Chopin)(波蘭文寫法為Fryderyk Franciszek Chopin,姓有時也作Szopen。)和李斯特(Franz Liszt)了。(註)這兩位與上一節所提到的孟德爾頌舒曼等人同時,然音樂風格卻迥異,故作此分類。

    蕭邦以其迷人的獨特旋律、句法,所塑造出之別具一格的音樂語言,或許是大家都不陌生的。他時常在一個極為浪漫、優美(有時很煽情)的曲調上,加上各式各樣華麗的裝飾,讓音樂聽來更為細膩、抒情而令人癡醉。另外,他大量使用開離分解和弦的伴奏方式,增添音響的寬廣度,他還常以連續三度、六度和八度的平行快速移動之音型,增加樂曲在技巧上的表現力。由於蕭邦的作品幾乎全是鋼琴曲,因而對於鋼琴演奏家而言,其留下的經典曲目,也就非常豐富了。其中如:夜曲(Nocturnes)、練習曲(Etudes)、前奏曲(Preludes)、敘事曲(Ballades)、詼諧曲(Scherzos)、圓舞曲(Waltzs)、波蘭舞曲(Polonaises)以及馬厝卡舞曲(Mazurkas)等,均是大家所喜愛的獨奏曲目。另外,還有兩首協奏曲(Concertos)及三首奏鳴曲(Sonatas)等結構較龐大的樂曲,也頗受歡迎。這些作品包含了快速的音階、半音階、開離位置的琶音以及單手連續彈奏三度、六度和八度音群等難度頗高的技巧,對於鋼琴演奏技法的開發,有著很大的貢獻!

    李斯特有個大家熟知的稱號「鋼琴之王」(可以不必理會這類稱號)。據說他是當時演奏技巧最高超的人,其作品更有著各種炫技的手法。他寫作的許多練習曲受到「流於過度炫技」的評價,批評者認為這些練習曲無蕭邦練習曲這麼深刻的音樂性,但評論總是主觀的、見仁見智的,僅供參考。而在此,筆者欲針對他的一首為鋼琴與管弦樂團之編制創作的變奏曲<<死之舞>> (Totentanz S. 126)進行多一點介紹。此曲為李斯特兩首鋼琴協奏曲外,另一首以協奏曲方式呈現的作品。樂曲以Gregorian chant當中末日經(Dies irae)的曲調為主題,進行各種變奏。當中使用了音階、琶音、滑奏(Glissando)、連續快速彈奏同音、兩手不斷交替彈奏如tremolo。還有三度、六度及八度音群等,幾乎包含了當時所有可能彈奏的技巧。曲中有豐富的和聲、精彩的對位,時而激昂、時而抒情,而沒有其他不少作品那樣純粹炫技、被認為華而不實的不足之處,可謂一首頗為經典的樂曲!

 

 

 

 

 

 

 

第三節

    浪漫後期的作曲家們所著重的,並不是新技巧的開發,而是將前人所用過

的技巧,作更靈活的發揮。在布拉姆斯(Johannes Brahms)之後,鋼琴音樂的重心便開始由地區,漸漸擴及至歐洲其他地區,國民樂派作曲家們開始具有重要地位了。布拉姆斯是浪漫樂派作曲家中,最能完美融合古典精神的理性、均衡、嚴謹,以及浪漫精神的感性、多情、躁動兩種特質的了。他在鋼琴演奏和作曲兩方面,都有非常傑出的表現。其鋼琴作品如:三首鋼琴奏鳴曲(Piano Sonatas Op. 1, 2, 5)、兩首鋼琴協奏曲(Piano Concertos Op. 15, 83)、舒曼主題變奏(Variations on a Theme by Robert Schumann Op. 9)、韓德爾主題變奏(Variations and Fugue on a Theme by Handel Op. 24)、兩首帕格尼尼主題變奏(Variations on a Themes by Paganini Book I & II Op. 35)、兩首狂想曲(Rhapsodys Op. 79)等,都是技巧與音樂內涵兼備的好作品!另外,尚有許多意境深邃的小品,以及精緻、凝鍊的室內樂作品,都很能表現鋼琴這樣樂器的美感,值得一再品味。布拉姆斯擅長以加入和聲音的八度彈奏曲調,以及開離和弦的應用,增添聲響的厚度及密度,加上高超的動機發展和對位手法,使音樂具有極為嚴密的組織和結構,因而更增添了演奏的難度。這些特點,在他的第一首鋼琴奏鳴曲Op. 1當中,便已經能明顯察覺了。

 

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國民樂派作曲家們的作品,經常表現優美的旋律和高超的演奏技巧。這種特色在Mily Balakirev的著名作品<<Islamey>>東方幻想曲)、柴可夫斯基(Pyotr Ilyich Tchaikovsky)第一號鋼琴協奏曲(Piano Concerto No. 1 Op. 23)以及穆索斯基(Modest Petrovich Mussorgsky)的鋼琴組曲<<展覽會之畫>> (Pictures at an Exhibition)等樂曲當中,都可以明顯的發現這種情形。直到後浪漫時期作曲家拉赫曼尼諾夫(Sergei Vasilievich Rachmaninoff)的作品,仍保有此特點。這些作品在旋律上雖有些異國風味,但就和聲使用、演奏技巧、音樂的形式與風格而言,卻沒有什麼顯著的創新和突破。

     另外,我還要在此提到拉威爾(Maurice Ravel)這位作曲家,雖然通常大多數人認為他屬於印象樂派,但就和聲的使用及曲調的語法來看,其作品卻比較接近後浪漫風格。彈奏拉威爾的樂曲,不但需要紮實的手指技巧,還要能靈活的使用延音踏板、弱音踏板甚至中間踏板,以充分表現音樂的色彩和層次。

   

 

 

 

 

 

第二章 20世紀初至1945年之前的現代鋼琴音樂

第一節 從調性到非調性

   

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